Статья посвящена творческой и человеческой дружбе двух талантливых музыкантов Германии эпохи fin de siècle - Максу Регеру, чье имя, хотя и редко, но появляется на страницах отечественных научных трудов и концертных афишах, и Филиппу Вольфруму. Вольфрум был композитором, органистом, дирижером, музыковедом-исследователем, автором двухтомной монографии об И. С. Бахе, просветителем и церковным музыкантом. Его творческая деятельность почти не известна в нашей стране. Сотрудничество двух музыкантов связано в основном с небольшим южнонемецким Гейдельбергом (земля Баден-Вюртемберг), старинным городом, в котором Вольфрум служил более тридцати лет Университетским директором музыки. Здесь он создал замечательную художественную атмосферу, пронизанную горячим почтением к наследию И.С. Баха, «под знаком» которого состоялось удивительное партнерство двух крупных музыкальных личностей рубежной эпохи. В статье приводится большое количество фактологических материалов, которые документально обосновывают многолетнее сотрудничество Регера и Вольфрума, обсуждаются вопросы выбора репертуара, детализируются некоторые факты биографии музыкантов, подтверждающие сходство их художественных взглядов
Актуальные проблемы высшего музыкального образования
2020. — Выпуск 2 (56)
Содержание:
За 80 лет, истекших с момента завершения «Симфонических танцев», были предложены самые разнообразные, порой полярно противоположные, трактовки их программного замысла и стилевых истоков. Цель настоящего исследования - уточнить жанровый генезис и музыкально-композиционные прообразы последнего крупного сочинения Рахманинова, опираясь на установленные факты, документальные свидетельства самого автора и его современников, а также на сравнительный анализ комплекса музыкально-выразительных средств. Вопреки сложившемуся мнению «Танцы» задумывались как целостная симфоническая концепция, а стимулом к их созданию был авторский фестиваль Рахманинова, который провел в Нью-Йорке Юджин Орманди, недавно возглавивший Филадельфийский оркестр. Композитор посвятил сочинение «величайшему оркестру», с которым сотрудничал на протяжении трех десятилетий, и его дирижеру. Форма цикла «Симфонических танцев», где нет ни первоначального сонатного allegro, ни медленной части, определена в настоящем исследовании как макроскерцо с четырехдольной первой частью, «триольным» финалом и вальсом в качестве трио. В этой связи прослеживается краткая история вхождения скерцо в состав сонатно-симфонического цикла и последовательного расширения его жанрового и образного спектра. Впервые установлена преемственная связь «Танцев» со скерцо из Второй симфонии Рахманинова, которой открывался фестиваль в Нью-Йорке. Доказано, что именно в этом сочинении утвердились характерные для позднего творчества композитора драматургия «триадности» (Л. А. Скафтымова), а также принцип построения крупной формы на основе вариантных преобразований простейших формул музыкального словаря.
Ключевые слова
В статье исследуются основные тенденции в развитии современной оперы. Рассматриваются важнейшие классификаторы, благодаря которым оперу подразделяют на литературную и анарративную, режиссерскую и ту, где во главе угла стоит личность композитора. Приводится сводный реестр, в котором в систематизированном виде представлены важнейшие европейские премьеры оперного искусства за последние двадцать лет. Этот список позволяет исследовать ситуацию по разным параметрам и поставить важнейшие вопросы, освещающие эволюцию оперы: как взаимодействуют музыка и литература в современном спектакле, зависит ли качество оперы от ее ориентированности (не ориентированности) на вербальность, как в современной ситуации диалог музыки и литературы в опере сменяется полилогом ориентированных на визуализацию искусств и медиа-технологий. Список классифицируется в хронологическом порядке, он включает в себя знаковые спектакли, которые определили ход развития оперного искусства за последние 20 лет (2000 - 2020 годы).В характеристике оперы указывается автор либретто, в отдельных случаях - литературный первоисточник, легший в основу оперного сюжета. Рядом с названием каждой оперы указываются даты и место первого исполнения, прослеживается последующая постановочная биография, что позволяет создать убедительную картину интенсивной жизни жанра, несмотря на неоднократно провозглашаемую «смерть оперы».
Ключевые слова
В статье идет речь о творческих связях выдающегося музыканта XX века, народного артиста СССР Леонида Когана с современными скрипачами. На основе сохранившихся в архиве семьи писем, опубликованных воспоминаний очевидцев и интервью самого Л. Б. Когана воссоздаются подробности дружеского общения и творческих контактов с такими выдающимися артистами, как Яша Хейфец, Ефрем Цимбалист, Иван Галамян и другими. Личное знакомство с ними стало для Л. Б. Когана символическим актом воссоединения «разорванной» политическими катаклизмами творческой «семьи», вхождением в пантеон великих скрипачей мира, место в котором, безусловно, этот артист заслуживал по праву. В свою очередь Л. Б. Коган многое делал, чтобы уехавшие в первой волне эмиграции музыканты, а также выдающиеся зарубежные солисты, могли приехать в СССР. Не только, чтобы выступить с концертами, мастер-классами, но и в том числе, как члены жюри Международного конкурса имени Чайковского, где Л. Б. Коган председательствовал в номинации «скрипка». В комментариях использованы воспоминания Н. Л. Коган, дочери артиста и участнице многих событий его жизни. Многие письма публикуются впервые
Ключевые слова
В статье рассмотрены основные биографические вехи и факторы, которые сформировали особенности стиля музыки композитора Александра Раскатова. Индивидуальные черты творчества композитора будут охарактеризованы сквозь призму не только разных направлений, в той или иной степени затронувших стилистику его произведений, но и сообразно разной географической и культурной авторской локации. Переезд в начале 90-х в Германию, а затем - во Францию сказался не только на образе жизни, но и на жанровых пристрастиях композитора, а увлечение авангардом и постмодерном, наряду с обращением к национальным истокам, оказали влияние на авторскую манеру. Союз двух профессионалов, Александра Раскатова (композитора) и его супруги Елены Васильевой (певицы), сыграл важную роль в формировании пристрастий в вокальной музыке, способствовал увлечению, поискам, изобретению новых технических приемов в современной голосовой практике. Е. Васильева, ученица Э. Шварцкопф, записавшая значительную часть произведений Э. Денисова, тесно сотрудничавшая с Д. Куртагом, - уникальное явление в современном исполнительском искусстве. Авторская методика управления голосом Е. Васильевой активно используется композитором А. Раскатовым в камерных и оперных сочинениях. Особенности композиторского стиля А. Раскатова формируются в парадоксальном ключе: если в 70-е и 80-е годы в России композитор слыл авангардистом, то после переезда в Европу в его творчестве появились охранительные тенденции, а его музыка воспринимается как продолжение традиций русской композиторской школы.
Ключевые слова
Статья посвящена хоровой музыке азербайджанских композиторов конца XX - начала XXI века. Анализируются жанровое многообразие, ракурс идейно-художественной содержательности, индивидуальные композиционные решения и тенденции в этой сфере музыки. В творчестве азербайджанских композиторов представлены не только крупные вокально-инструментальные произведения (кантаты, оратории, пассионы, хоровые концерты и т. д.), но и хоровые миниатюры, поэмы, оды, гимны, хоровые циклы, песни. Возрастающее многообразие жанровой сферы хоровой музыки азербайджанских композиторов определяет степень актуальности данной темы. На современном этапе азербайджанские композиторы развивают хоровую музыку в трех направлениях: хоровые произведения малых форм симфонизированные хоровые сочинения, вокально-инструментальную музыку крупных форм, где хор несет в себе основную драматургическую нагрузку. В хоровой музыке, в особенности, в ораториях можно отметить тенденцию к обобщенной сюжетной линии или философской концепции. Музыкальная драматургия - это часть содержания музыкального произведения. Распространенными являются принципы динамизации и симфонизации кантатно-ораториальных жанров, драматургия, основанная на столкновения различных интонационных сфер, образов. Интересным представляется возникающий симбиоз кантатно-ораториального жанра с симфонией.
Ключевые слова
В вокальных произведениях западноевропейских композиторов очень широко использовались стихи китайских поэтов нескольких исторических эпох. Китайские поэтические источники вокальных произведений европейских композиторов охватывают огромный временной диапазон - с VI века до н. э. по XII век н. э. Его можно условно разделить на 4 периода: ранний (VI век до н. э. - III век н. э.), средний (IV-VI века н. э.), эпоха династии Тан (VII-IX века н. э.), эпоха династии Сун (X-XII века н. э.). Основные темы: одиночество, отшельничество, тайна творчества, исцеление души на лоне природы. Наиболее полно в камерно-вокальной музыке европейских композиторов воплотилась поэзия Ли Бо и Бо Цзюйи (эпоха династии Тан), что объясняется уникальным масштабом их таланта и объемом литературного наследия. Центральная для европейской камерно-вокальной музыки тема любви, занимает в кругу рассмотренных поэтических источников периферийные позиции. Локально присутствуя в творчестве многих китайских поэтов, тема любви в статье трактуется как продолжение традиций музыкального шинуазри с его предметной экзотикой и характерным образным строем (луна, лодка, лотос, беседка и т. п.). В то же время проводится дифференциация того, насколько одни и те же темы в творчестве китайских поэтов по-разному трактовались. Исследуется разнообразная интерпретация мотива одиночества в творчестве Ли Бо и Бо Цзюйи. Существенное отличие в раскрытии этого мотива заключается в том, что у Ли Бо - это олицетворение даосской свободы вне мира, в творчестве же Бо Цзюйи одиночество понимается принципиально иначе - как путь к старению и увяданию.
Ключевые слова
В статье анализируется кантата «Хуанхе» китайского композитора Сянь Сихая, с которой началась история китайской кантаты. Премьера сочинения, на которой присутствовал Мао Цзэдун, состоялась в апреле 1939 года. Из-за нехватки классических музыкальных инструментов, оркестр состоял всего из трех скрипок и 24 этнических инструментов. Уже через несколько месяцев произведение стало популярно по всей стране. Литературной основой кантаты послужили стихи Гуан Вэйжаня. Кантата состоит из 8 частей, не считая оркестрового вступления. В своей поэме Гуан Вэйжань последовательно раскрывает многообразие смыслов, связывающих жителя Китая с Желтой рекой. К издревле живущим в народной памяти образам реки-кормилицы («Славословие Хуанхэ») и реки-разрушительницы («Хуанхэ в гневе») поэт добавил принципиально новые: реки-утешительницы («Баллада о Хуанхэ») и реки-освободительницы («Взреви, Хуанхэ!»). С литературной точки зрения либретто Гуан Вэйжаня представляет собой ряд законченных поэтических картин. Жанровой моделью для «Хуанхэ» послужила патриотическая кантата. Для патриотической кантаты характерны торжественные, гимнические хоры, масштабные по количеству участников. В «Хуанхэ» такова 7 часть «Защитим Хуанхэ», а также финальных хор восьмой части «Взреви, Хуанхэ!». Упругий маршевый ритм олицетворяет в них непреклонную волю народа, его решимость освободить Родину.
Ключевые слова
В центре внимания автора статьи - Концерт для саксофона-альта с оркестром (2013) китайского и австралийского композитора Чу Ванхуа. Приводится краткий обзор сведений о композиторе, его творчестве, истории создания Концерта. Произведение изучается в аспекте выявления в нем китайских национальных и европейских традиций. Среди национальных влияний отмечается: использование народных мелодий провинции Цзянсу «Мэн Цзян Нюй» и Шэньси «Ман Пхуа Ман Хань» в качестве интонационной основы трех частей Концерта; применение характерных для китайской музыки принципов формообразования (форма первой части близка рапсодии, третья часть имеет признаки цикличной формы) и выразительных приемов, истоки которых восходят к исполнительским традициям национальных драм (приемы неточно ритмизованного ускорения и замедления на одном звуке, разнообразные виды украшений тона и glissando). В Концерте композитор синтезирует восточную мелодику, основанную на пентатонических и гексатонических звукорядах, и отвечающую классическим принципам гармонию западного типа. Аккорды, окрашенные импрессионистическим звучанием, фактурные средства, отражающие типические черты академических жанров, а также способы взаимодействия солиста и оркестра подчеркивают крепкие связи музыки Чу Ванхуа с европейскими музыкальными традициями
Ключевые слова
В статье представлен обзор современной джазовой культуры Китая. Особое внимание уделено процессу возникновения джазовых клубов в Пекине, ставшем после смерти Мао Цзэдуна и смены политического курса страны главным центром китайского джаза. Выявлены концертные площадки Пекина, сыгравшие особую роль в истории современного китайского джаза. Это книжный магазин «San Wei», а также клубы «CD Cafe», «The Big Easy» и «JZ Club». Также в статье рассматривается более крупная - фестивальная - форма бытования современного китайского джаза, отличающая его от джаза довоенного периода. Установлено, что джазовое фестивальное движение Китая утвердилось с 1993 года, а уже в начале XXI века закрепилось и в Шанхае, имевшем довоенные джазовые традиции. К концу 2010-х годов в Китае сложилась целая сеть джазовых фестивалей, охватывающая, помимо Пекина и Шанхая, ряд приморских городов. Характерной чертой становления джазовой культуры современного Китая стало плодотворное взаимодействие китайских джазменов новой формации - Лю Юаня, Кун Хунвэя, Хуан Юна и других - с западными музыкантами, дипломатами и бизнесменами. В результате интенсивных международных контактов молодая китайская школа существенно сократила отставание от мирового джазового процесса и сегодня демонстрирует динамичное расширение джазового пространства в большинстве крупных городов страны.
Ключевые слова
В статье предпринят сравнительный анализ тематизма двух концертов для скрипки с оркестром американского композитора китайского происхождения Тан Дуна: «Из Пекинской оперы» (1987) и «Любовь» (2009), связанных общим интонационным материалом. Работа представляет собой шаг на пути к постижению самобытного стиля Тан Дуна и специфики его творческих поисков в жанре скрипичного концерта. Для прояснения замысла концертов исследуются истоки художественных представлений композитора, сформировавшихся под влиянием восточных религий и музыкально-эстетических взглядов Дж. Кейджа (в американский период жизни). Главной целью статьи является раскрытие идейного замысла программных концертов Тан Дуна. Сравнительная характеристика позволяет выявить драматургическое значение отдельных тем, которые встречаются в концертах: темы сипияобань (xipi yaoban), «речевого» мотива, темы в форме додекафонной серии, и особенности стиля произведений Тан Дуна в целом. Используя метод компаративного анализа, автор приходит к следующему выводу: в концерте «Из Пекинской оперы» противопоставление двух культур - китайской и американской - самоценно и непосредственно воплощает главную идею произведения, в концерте «Любовь» - тематические элементы разных национальных стилей служат средством для раскрытия более глубокой темы - любви в ее различных ипостасях.
Ключевые слова
Искусство игры на фортепиано и фортепианная педагогика в Китае начали активно развиваться только в XX веке. Сегодня в стране происходит стремительное совершенствование культуры фортепианной игры и методики педагогики. Большое влияние на этот процесс имела и имеет русская (советская) фортепианная школа. Важные особенности, привнесенные в китайскую фортепианную педагогику русской и советской школой: использование веса и силы разных частей руки и корпуса, расширение эмоционального диапазона и выразительных возможностей инструмента, освоение значительного количества стилей, преодоление «ударного», механического» звука, «пение» на фортепиано. На данном этапе развития китайской музыкальной педагогики можно выявить следующие проблемы: чрезмерную сосредоточенность на техническом совершенстве, недостаточное внимание к дисциплинам, способствующим общему музыкальному и культурному развитию, нехватку профессиональных преподавателей при их огромной востребованности, отсутствие развитого национального репертуара, недостаточное количество методических пособий, разработанных с учетом национальной специфики, отсутствие принятой во всей стране единой системы музыкального образования. Для обучения музыке в Китае в последние годы часто используются информационные технологии, позволяющие получать дистанционные уроки (в том числе групповые) и использовать для обучения видеоролики, музыкальные программы и приложения, а также «умные» пианино. В процессе взаимодействия с российской и западной культурой в Китае сформировался оригинальный подход к фортепианному исполнительству и к преподавательской деятельности. В нем наработки российской (советской) и европейской педагогики сочетаются с особенностями национальной культуры.
Ключевые слова
Статья посвящена международному музыкальному фестивалю в Люцерне и его руководителю Михаэлю Хефлигеру. Арт-менеджмент на проекте такого масштаба как Люцернский фестиваль во многом зависит от личности руководителя. Михаэль Хефлигер - руководитель фестиваля с 1999 года. Его исполнительский опыт музыканта и образование в сфере экономики и менеджмента позволили стать успешным арт-директором. Он точно знает, как создать максимально комфортные условия для артиста. Работу Михаэля Хефлигера можно определить как создание связей между исполнителями и их спонсорами. Ему важно поддерживать с меценатами дружеские отношения. 2003 год в работе фестиваля ознаменовался началом сотрудничества Хефлигера и Клаудио Аббадо. Итогами этой работы стали организация Люцернского фестивального оркестра и академии для молодых композиторов и дирижеров. Ежегодно на люцернской сцене дебютирует большое количество музыкантов. Поддержкой им служат различные гранты и премии, учрежденные Михаэлем Хефлигером и различными фондами. Для увеличения слушательской аудитории Хефлигером было создано большое количество программ для школьников и студентов. Программы включают в себя знакомство с музыкантами и необычные форматы концертов. Фонд «Друзья Люцернского фестиваля» - это клуб любителей музыки со всего мира. На примере работы Михаэля Хефлигера автор выделяет основные задачи арт-менеджмента: создание курсов и летних школ, поддержка молодых музыкантов, расширение слушательской аудитории, установление дружеских отношений со спонсорами. М. Хефлигер лично курирует все вышеперечисленные задачи.
